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Classique : Dans quelle mesure l’industrie est-elle raciste ?

De Manuel Brug

À quel point l’industrie de la musique classique est-elle raciste ? Les bonnes intentions qu’il peut avoir ici et là ne peuvent compenser la passivité et les omissions qui ont entraîné la marginalisation des artistes noirs depuis des siècles. Le musicologue américain Philip Ewell, par exemple, ne se lasse pas de souligner que la quasi-totalité du répertoire classique présent dans les salles de concert et les opéras du monde est l’œuvre d’hommes blancs. Et le musicologue Nate Sloan et l’auteur-compositeur Charlie Harding ont récemment tenté de discréditer la Cinquième Symphonie de Beethoven, tant jouée, comme un instrument d’élitisme, d’oppression et d’exclusion de la musique non blanche de la scène des concerts classiques.

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Il y a donc beaucoup à faire dans les salles d’opéra et de concert en matière de représentation des minorités. Mais qu’est-ce qui aide à lutter contre le déséquilibre ? «Je suis totalement contre les quotas – et je ne cède à aucun lobby.» Markus Hinterhäuser, directeur artistique du Festival de Salzbourg, se positionne clairement lorsqu’on lui demande son profil. « Pour nous, les décisions en matière de programmation et de casting ne sont pas prises en fonction de la couleur de la peau, de la race et du sexe, mais uniquement en fonction de critères artistiques. » La pensée proportionnelle « just chic » ne devrait pas jouer un rôle à Salzbourg, tout comme le politiquement correct américain, qui est née « de la mauvaise conscience des noirs, des latinos et des asiatiques qui sont encore très souvent victimes d’abus racistes ».

Hinterhäuser aime se tromper à ce sujet : « J’ai toujours recherché le talent, peu importe qui il est et d’où il vient. » Peter Sellars, à l’origine de sa célèbre adaptation de Mozart « La clémence de Tito » en 2017 « pour des raisons absolument conceptuelles Reasons » a insisté sur un casting majoritairement noir, bien sûr j’ai compris. «Nous avions un chanteur convaincant en la personne de Russell Thomas. Golda Schultz et Jeanine De Bique sont désormais devenues des stars. C’est tout ce qui m’importe. » Hinterhäuser ne voit pas de problème de diversité : « Nous sommes un festival de musique, pas une Commission européenne soucieuse d’équilibre. Et je n’ai pas besoin de me concentrer sur les femmes pour embaucher Joana Mallwitz, qui dirige la Philharmonie de Vienne depuis deux ans.»

Les choses sont complètement différentes dans les grandes institutions culturelles américaines. Le remords des classiques blancs résolument élitistes est grand. Personne ne sait encore si le Metropolitan Opera de New York, qui en tant que plus grande institution des arts du spectacle aux États-Unis a dû annuler l’intégralité de sa programmation 2020/21 en raison de la pandémie, a subi des pertes de plus de 150 millions de dollars et si son personnel artistique, en particulier la chorale et orchestre, sans exonération de paiement, survivra réellement. Mais lors de la soirée d’ouverture festive de la saison 2021/22, importante pour les revenus du sponsoring, autrefois terrain de jeu pour Pavarotti, Domingo, Netrebko & Co avec de vieux airs à succès dans des décors somptueux, c’était maintenant, pour la première fois en Au cours des 138 ans d’histoire de la maison, l’opéra d’un compositeur noir a occupé le devant de la scène : « Fire Shut Up in My Bones » de Terence Blanchard, né en 1962, qui écrit également depuis 30 ans les bandes originales des films de Spike Lee. Le Met, qui dispose désormais également d’un département diversité, sortira un opéra sur Malcolm X en 2023. La musique noire est soudain très forte ici.

La presse s’est enthousiasmée pour « Fire Shut Up in My Bones », le récit de la vie du commentateur noir du « New York Times » et présentateur de « Black News Channel » Charles M. Blow, mis en musique, et a également noté l’afflux inhabituel de jeunes. et les noirs Les gens dans le public. Mais les spectateurs réguliers de la salle de 4 000 places, malheureusement rarement remplie, ont préféré se ruer sur « La Bohème » et « Turandot », deux œuvres de Giacomo Puccini. Et personne ne semblait se soucier du fait que la légendaire princesse chinoise Turandot était chantée par une Américaine blanche.

Mais étant donné les nouvelles exigences strictes en matière de diversité, la japonaise Madame Butterfly – une autre héroïne problématique de l’opéra de Puccini – peut-elle être interprétée par une Albanaise ? Car Ermonela Jaho est actuellement la meilleure et la plus sensible interprète de ce rôle. Au Royal Opera House Covent Garden de Londres, comme cela vient d’être annoncé, elle devra toujours partager le rôle avec une femme asiatique pour des raisons d’égalité.

Il n’y avait personne de couleur sur le podium lors de la première new-yorkaise de Blanchard (une autre est déjà annoncée pour 2023), avec le Canadien Yannick Nézet-Séguin pour sa première première comme chef d’orchestre du Met ; L’ensemble était noir, tout comme la chorégraphe et co-directrice Camille A. Brown.

Un « Otello » de Verdi maquillé en noir n’est plus toléré, même en Italie. Lorsque Jonas Kaufmann a chanté pour la première fois ce rôle emblématique au Teatro San Carlo, il avait l’air aussi grisonnant que dans sa vie quotidienne de ténor bavarois. Et Nézet-Séguin fait encore mieux en matière de Black Music Matters : il a lancé un grand projet sur Florence Price (1887 – 1953) avec l’Orchestre de Philadelphie, qu’il dirige également. Tous les concertos et symphonies de la première compositrice noire d’Amérique, qui n’ont été joués qu’une seule fois par le meilleur ensemble de Pennsylvanie – en 1933 – peuvent désormais être interprétés ; Deutsche Grammophon enregistrera les résultats.

On parle beaucoup actuellement de « chefs-d’œuvre musicaux oubliés ». Mais les œuvres en question ne sont souvent pas si enterrées. Joseph Bologne, chevalier de Saint-Georges (1745-1799), par exemple, fils d’un planteur français et d’un esclave noir né en Guadeloupe, porte depuis des années l’étiquette assez simple de « Mozart noir ».

Cependant, cela n’a pas vraiment fait bouger l’industrie musicale jusqu’à présent. Après tout, la reine du violon Anne-Sophie Mutter interprétera l’année prochaine le deuxième concerto pour violon de Bologne à Lucerne. Parce que la réunion d’orchestre, en fait sérieuse, s’est dotée d’une astuce marketing pour se donner pour devise « Diversité » pour l’été prochain et a fait de la légère exagération la base de son travail : Angel Blue, une solide soprano qui est bonne dans le domaine de l’opéra, est immédiatement anoblie comme un « Artiste étoile ».

Christoph Becher, directeur de l’ORF Radio Symphony Orchestra (RSO), adopte également une approche programmatique de la diversité. Il s’est déjà engagé à recruter l’Américain Marin Alsop comme nouveau chef d’orchestre depuis 2019. La proportion de musiciennes au sein du RSO, qui compte 96 membres issus de 20 pays, atteint près de 40 pour cent. Sous Alsop, dit Becher, l’accent mis sur les femmes chefs d’orchestre et compositrices a reçu un élan supplémentaire. L’objectif n’est pas seulement de commander des œuvres à des compositeurs autrichiens tels que Julia Purgina, Judit Varga et Hannah Eisendle, mais aussi de les présenter lors de représentations invitées à l’étranger.

En outre, Becher voit dans le RSO une « grande volonté de travailler plus étroitement avec des artistes non européens et noirs ». La Suédoise Sofia Jernberg, née en Ethiopie, a été engagée pour la première d’« Atara » de Chaya Czernowin au Wien Modern. En mars, un concerto pour piano de Mozart a été enregistré avec la jeune pianiste et violoncelliste britannique Jeneba Kanneh-Mason. En outre, deux CD actuels de compositeurs noirs ont attiré une grande attention sur le marché du disque : la musique orchestrale de Florence Price et les œuvres d’Ulysses Kay (1917-1995) et de William Dawson (1899-1990).

La musique classique, longue et très confortable, se défend des accusations de discrimination avec l’engagement croissant de musiciens les plus divers possible. Deutsche Grammophon, qui réalise toujours de fortes ventes en Asie, notamment en Corée, pousse constamment des artistes tels que la soprano Hera Hyesang Park et le violoniste Bomsori Kim vers le marché international. Le label anglais Decca, à son tour, a envoyé l’élégant violoniste afro-américain-coréen Randall Goosby, 25 ans, après le lancement réussi de la violoncelliste noire britannique Sheku Kanneh-Mason (ainsi que sa sœur pianiste Jeneba et le reste de la famille ) – même après le début de l’attention mondiale suscitée par le mariage de la duchesse Meghan – avec « Roots » comme premier album, un hommage aux compositeurs noirs.

L’hommage tant attendu du groupe Sony à la transfrontalière Marian Anderson est opulent et s’intègre parfaitement dans le climat de conscience actuel. Au programme de Sony, il y a aussi les « Black Composers Series » : neuf disques, des reprises tendances, des musiques de deux siècles, de Chevalier de Saint-Georges à Adolphus Hailstork, né à Rochester en 1941. Cette série louable a été enregistrée entre 1974 et 1978 dans le cadre d’un effort conjoint entre Columbia Records et l’Afro-American Music Opportunities Association, qui ont principalement collecté les fonds nécessaires. À l’époque, cela a fait beaucoup de bruit sur la scène classique des concerts et des enregistrements, qui était en grande partie centrée sur les productions de l’Europe blanche. Ce qui bien sûr a disparu tout aussi vite.

Depuis, aucun des compositeurs noirs présentés, de l’époque baroque jusqu’à leurs contemporains infiltrés par le jazz, n’est parvenu à long terme dans les répertoires mondiaux – pas même un classique comme le Britannique Samuel Coleridge-Taylor (1875-1912), fils d’un médecin de Sierra Leone et mère anglaise Mutter, qui fut l’un des premiers compositeurs à tenter de développer une nouvelle direction dans la musique savante occidentale basée sur des éléments stylistiques africains.

Même dans les années 1970, la compagnie soi-disant libératrice « Black Composers » avait quelque chose de ghetto. Bien que deux orchestres américains, les orchestres symphoniques de Baltimore et de Détroit, soient également impliqués, la majorité des enregistrements ont été réalisés à Londres et à Helsinki. Et le chef d’orchestre noir Paul Freeman (1936-2015), qui était sur le podium pour tous les enregistrements, n’a jamais obtenu de poste de premier plan en Amérique, seulement au Canada et en République tchèque. Et bien sûr : les compositrices n’étaient même pas prises en compte. Lorsque le successeur des droits Sony a réédité la « Black Composers Series » sous forme de boîtier de CD bon marché en 2019, cela n’a suscité que peu d’intérêt.

Comme Hinterhäuser, le directeur du Konzerthaus de Vienne, Matthias Naske, se défend également contre la réflexion sur les quotas sur le marché autrichien de la musique classique : « Cela ne peut pas du tout fonctionner ici. Bien entendu, en tant qu’institution prétendant à l’excellence, nous sommes sensibilisés et devons réfléchir et discuter des questions qui touchent la société dans son ensemble. L’Autriche, en tant qu’ancien État multiethnique et porte d’entrée vers l’Europe de l’Est, est prédestinée à donner de l’espace aux voix artistiques minoritaires – ce que nous faisons depuis des années. Et de la même manière, nous incluons les personnes handicapées dans la planification de nos programmes et invitons consciemment des compositrices et des chefs d’orchestre. » Le résumé de Naske semble simple : « C’est toujours une question d’équilibre, pas de réglementation. »

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