Le Diable, la Mort et Tarantino : Cannes 2023, juste avant la fin du festival

Aux premières mesures de la célèbre chanson « Little Green Bag » de « Reservoir Dogs » (1992), sortie en 1969 par George Baker Selection, l’homme de Knoxville, Tennessee, est entré d’un pas joyeux et sous un tonnerre d’applaudissements. Hier, jeudi, peu après 16 heures, au dixième jour du 76e Festival de Cannes, Quentin Jérôme Tarantino, 60 ans, est monté à bord de la scène de cinéma construite au sous-sol de l’hôtel Marriott du Théâtre Croisette, lieu principal de la programmation alternative cannoise. Quinzaine des cinéastes. Tarantino a été invité à donner une master class ; mais il a d’abord révélé le secret selon lequel il avait emporté avec lui l’un de ses films préférés – une copie 35 mm cicatrisée du brutal drame de vengeance de John Flynn de 1977, Rolling Thunder, délicieusement intitulé L’Homme à la griffe de rayon.

« Entrons dans ce cinéma Grindhouse Transformez-vous », a crié Tarantino à la foule rugissante, et bien sûr, l’odyssée de vengeance de deux vétérans du Vietnam (basée sur un scénario original de l’auteur de « Taxi Driver » Paul Schrader) a réchauffé le cinéma, qui est par ailleurs réservé aux cinéphiles chics, considérablement. Dans la conversation qui a suivi, Tarantino a souligné son affection pour des films comme celui-ci (« Regardez, j’aime les films violents »), notamment pour les œuvres de Brian De Palma, qu’il considérait comme beaucoup trop peu reconnu, mais a également expliqué qu’il détestait les animaux dans Voir mourir le cinéma – il ne voulait même pas voir les insectes écrasés (« Je ne paie pas pour voir la vraie mort au cinéma »). Cependant, il était fondamentalement opposé à toute forme de « compromis social » dans le cinéma, y ​​compris le politiquement correct sous quelque forme que ce soit. Si vous n’y parvenez pas : « Eh bien, tant pis ! »

Tarantino a ri à la fin en disant que le micro était si bien dans sa main qu’il était tenté de réciter les dialogues les plus pointus de son nouveau film « The Movie Critic », qui aurait été prévu comme son travail d’adieu. Mais non, il ne le fait pas maintenant – « vous devrez tous être patients ».

Quiconque s’abandonne au spectacle cinématographique le plus important de la planète doit endurer beaucoup d’ambivalence et de contradictions. Des œuvres savamment tournées provenant de territoires peu explorés en termes de cinématographie et de nouvelles œuvres de qualité de cinéastes de renom (comme Justine Triet, Catherine Breillat et Alice Rohrwacher) rencontrent sans vergogne des objets mercantiles issus des cœurs battants de l’industrie cinématographique : le dernier « Indiana L’épopée de Jones, qui a été projetée cette année au festival du film sur la Croisette, a provoqué l’hystérie, puis des haussements d’épaules, n’est que le point le plus évident de l’ordre du jour. Mais à Cannes, non seulement des films comme la vision exceptionnelle de l’Holocauste de Jonathan Glazer « The Zone of Interest » sont populaires, mais malheureusement aussi des films qui ne sont évidemment invités qu’en raison de leur casting de stars (comme le thriller désespérément surmené de Sean Penn avec le chauffeur de sauvetage « Black fly »). .

Cela est également dû à la pression exercée par l’assemblée plénière de l’industrie cinématographique mondiale à Cannes : environ 14 000 personnes, plus que jamais, se sont rassemblées cette année autour du traditionnel Marché du Film, et cette fois encore, l’industrie cinématographique asiatique était au rendez-vous. , pour la première fois depuis 2019, la dernière édition pré-Covid. Les accrédités des domaines du journalisme et de la photographie ainsi que toutes les équipes de tournage ne sont même pas comptés. Les œuvres et les idées de projets sont achetées et vendues, optionnelles et négociées sur le marché du film de Cannes, où vous pouvez acheter du soft porn bon marché, du cinéma de tueur en série ainsi que des œuvres d’art de premier plan. Une nouvelle trêve entre le cinéma d’art et essai et les services de streaming, qui jusqu’ici semblaient peu comprendre la crise du cinéma, s’est révélée dans de nombreux cas : en fin de compte, il serait peut-être préférable de n’accorder à certains films qu’une utilisation exclusive en salle pendant quelques mois plutôt que Mettez toujours tous les produits en ligne le plus rapidement possible.

Selon les estimations, environ 40 000 professionnels du cinéma ont envahi cette année la petite ville du sud de la France. Et tout était redevenu comme avant la pandémie : tous les soirs sur la Croisette, il y avait une fête dans chacun des bars de plage chics, avec des foules de gens marchandant des billets devant les entrées.

Cannes n’est pas seulement une affaire de divertissement. Le divertissement n’est pas une condition fondamentale de l’art, une irritation durable peut être productive et inciter à réfléchir sur la forme cinématographique et les visions du monde : l’auteur du cinéma turc Nuri Bilge Ceylon, par exemple, avec son histoire de plus de trois heures sur un professeur de village bien-pensant. , qui fait l’objet d’une enquête dans son école, parce qu’il a abordé une fille avec trop d’amour, sur ses nerfs. L’étude de personnage hivernale About Dry Grasses présente de longs dialogues qui maintiennent les choses dans les limbes ; Ceylan refuse de juger, laissant au public l’interprétation finale des événements et des personnages ambigus. Ambivalence sous sa forme parfaite.

L’Américain Todd Haynes, qui aime saper expérimentalement les genres établis dans ses films, mène également sur la glace glissante dans son dernier mélodrame savamment construit : dans « May December », il affronte une femme socialement hors-la-loi (Julianne Moore), qui un jour, au milieu de sa vie, -la trentaine, elle entame une relation avec une actrice d’investigation de 13 ans (Natalie Portman) qu’elle est censée incarner dans une production télévisée kitsch. L’ambition exagérée de l’artiste qui pénètre la vie de son modèle rencontre les positions incertaines d’un paria de plus en plus irrité. Haynes savoure les mystères et les lacunes psychologiques de son dispositif expérimental tout en éclairant les zones d’ombre de sa profession : « May December » est tout sauf une lettre d’amour à la discipline du cinéma.

L’une des tâches essentielles d’un festival comme Cannes est de contrecarrer sa focalisation européenne et d’explorer le cinéma dans des domaines chroniquement négligés. Le cinéma africain est un sujet d’investigation évident, ne serait-ce qu’en raison de l’histoire coloniale française : le Tunisien Kaouther Ben Hania a par exemple présenté « Quatre filles », un film hybride, une œuvre documentaire avec des éléments de fiction et de mise en scène, afin de raconter le véritable drame d’une mère qui n’a pas pu empêcher deux de ses filles de se radicaliser et de rejoindre « l’État islamique ». Dans des scènes de jeu impliquant trois actrices, le réalisateur travaille sur le traumatisme familial, fortement émotif, mais formellement un peu trop policé. La jeune cinéaste franco-sénégalaise Ramata-Toulaye Sy a présenté le seul premier album au programme de la compétition : son drame relationnel « Banel & Adama », tourné dans un village du nord du Sénégal, utilise les vertus de l’histoire du cinéma ouest-africain pour un film visuel puissant, clairement La tragédie formulée L’amour, le pouvoir et la folie bloqués. Comme indiqué, l’Autrichienne Jessica Hausner a contribué à ce qui est probablement la comédie la plus particulière et stylistiquement la plus étonnante du festival : sa farce sur les troubles de l’alimentation « Club Zero » raconte l’histoire d’un enseignant qui, en ne manger, conduit sa classe à des appels à la résistance antisociale, tellement stylisés par l’abus de pouvoir et la manipulation que les critiques de cinéma internationaux à Cannes ont presque unanimement jeté l’éponge.

Heureusement que deux autres hauts responsables de la comédie loufoque ont dû être mobilisés dans le programme du concours : le Finlandais Aki Kaurismäki, 66 ans, s’est d’abord amusé à faire le clown sur le tapis rouge devant le palais du cinéma (il a beaucoup dansé aussi proche des objectifs des caméras, épaulé la caméra d’un employé de télévision puis se terre derrière le patron du festival apparemment débordé, Thierry Frémaux), puis il a ravi le cœur de ses cinéphiles suivants avec le film à l’écriture pointue « Fallen Leaves », un autre de ses drames prolétariens arides.

Et le Texan Wes Anderson, 54 ans, a séduit le public vers la fin du festival avec une de ses structures cinématographiques folles, presque trop denses : « Asteroid City » d’Anderson est un plaidoyer amoureux pour le théâtre américain des années 1950, mais aussi méticuleusement construit le désert burlesque, le fantasme rétro inventif d’une Amérique perdue. Le public cannois, déjà sensuellement affaibli vers la fin du festival, semblait n’en avoir que peu d’utilité. L’immense talent artistique d’un grand styliste américain n’a abouti à rien ici. Cela ne la dérange pas.