Léa

Le meilleur de Woody

Au début, tout semblait très prometteur. Lorsque l’homme le plus drôle de la société new-yorkaise des années 60 entra dans le monde du cinéma, l’enthousiasme de Woody Allen pour l’expérimentation était encore intact : Allen faisait ses débuts avec une dose supplémentaire de folie ; Il a d’abord doublé de manière absurde un film d’action japonais (« What’s Up, Tiger Lily ? », 1966), pour ensuite consolider son image de perdant trois ans plus tard avec le documentaire pseudo-voleur de banque « Take the Money and Run ». Dans les années 1970, il s’émancipe progressivement de la pression des punchlines, élargit son champ d’action et approfondit sa comédie. Avec « Annie Hall » (titre allemand : « Der Stadtneurotiker »), il réalise son premier classique en 1977, et le suivant avec « Manhattan » deux ans plus tard, toujours avec sa partenaire d’alors Diane Keaton.

Pour le projet « Zelig », qu’Allen a présenté en 1983, il a repris la forme documentaire, mais cette fois-ci de manière bien plus ambitieuse que dans « Take the Money and Run » :

En tant que propre protagoniste, il a copié son personnage dans des documents et des contextes historiques originaux pour raconter l’essence de l’opportunisme. Leonard Zelig, le caméléon humain, s’adapte si parfaitement à toutes les circonstances et à tous les contextes sociaux qu’il est à peine perceptible. « Zelig » imite magistralement en noir et blanc des images d’actualité qui sont montées en couleur sur des interviews commentées – la forme conventionnelle de l’analyse historique documentaire.

Allen n’a plus jamais retrouvé le courage formel de « Zelig » ; Cependant, il réalise encore des films qui valent la peine d’être vus de temps en temps : son étude sociale « Crime et autres bagatelles » a surpris en 1989 par son équilibre sûr entre le comique et le meurtrier ; En 1997, « Harry hors de lui-même » (à l’origine : « Deconstructing Harry ») livrait une fois de plus des punchlines expérimentales telles que la malédiction inexplicable d’apparaître soudainement flou, pour ainsi dire, sans contour en tant qu’être humain.

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Avec la tragédie de salon britannique « Match Point », une histoire morale d’amour, de mensonges, d’argent et de meurtre, Allen a réussi à nouveau en 2005 : avec un film qui ne se déroulait pas à New York, mais dans la classe supérieure de Londres – et non seulement sans lui l’acteur Allen, mais aussi sans son langage cinématographique familier et quelque peu insouciant : « Match Point » a marqué avec un jeu d’acteur de grande classe (Scarlett Johansson, Jonathan Rhys Meyers, Emily Mortimer), un récit véritablement littéraire, avec des personnages vivants et vivants – avec un film tout simplement sérieux d’Ingenuity. Dans « Match Point », le réalisateur raconte l’histoire d’un jeune artiste en pleine ascension (Rhys Meyers) qui se marie dans une famille britannique d’une manière étonnamment stylistique ; ses défauts de caractère et sa liaison secrète avec une femme sûre d’elle (Johansson) conduisent à un acte de violence. En fait, Woody Allen était à peine reconnaissable en tant que réalisateur et scénariste dans « Match Point » : le jeu des acteurs était parfait, la production était concentrée.

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