Léa

« Rimini » de Seidl : les chants des perdus

Un festival des fantômes a actuellement lieu à Berlin. Les fêtes et réceptions, ainsi que les espaces de rencontre pour les spectateurs, ont été annulés et fermés sans remplacement, et les salles sont souvent vides, même lors de la projection des premières mondiales tant attendues. Et seuls quelques groupes de personnes et quelques passants aléatoires traversent actuellement la Potsdamer Platz, la zone autour du palais de la Berlinale, où l’industrie cinématographique internationale se pressait chaque mois de février jusqu’en 2020. Ce qui est nouveau ici, ce sont les stations d’essais, les conteneurs et les bus répartis partout, que les festivaliers doivent visiter chaque jour pour pouvoir assister aux représentations.

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Documentaire « Un projet impossible » : Sauvons l’analogique !

Von Stefan Grissemann

Pas même la moitié du nombre habituel de personnes accréditées n’est enregistrée ici cette année ; beaucoup ont apparemment annulé dans un délai très court pour ne pas risquer d’être infectés (et mis en quarantaine) dans un endroit où les gens, même s’ils seraient moins nombreux que d’habitude, seraient inévitablement il faut se réunir. C’est pour cette seule raison que les chroniques allemandes ont beaucoup critiqué l’insistance du duo des directeurs du festival Carlo Chatrian et Marietta Rissenbeek à s’appuyer cette année sur une présence physique après le festival en ligne insatisfaisant de 2021. Était-il nécessaire d’organiser une Berlinale sous la bannière d’Omicron ? Était-il nécessaire, en temps de crise, de proposer des films que l’on pouvait regarder seul chez soi exclusivement au cinéma ?

Le dilemme est moins facile à résoudre qu’il n’y paraît, car le risque manifestement pris ici est contrecarré par le fait que les festivals de cinéma ne méritent pas ce nom sans l’événement « analogique » et collectif du cinéma. L’évaluation des risques est légitime ; parce que la culture ne doit pas être en bas de la liste des priorités – et si le reste de la vie publique reste ouvert parce que le risque actuel de maladie n’entraîne plus une surcharge du système de santé, alors il est également légitime d’autoriser un film Le festival se déroulera dans de strictes conditions de sécurité.

Cependant, les expériences de bonheur que des événements comme celui-ci peuvent offrir dans des conditions différentes ne sont pour le moment que hésitantes dans un Berlin pluvieux. Après tout, la tragi-comédie « The Line » d’Ursula Meier a emprunté des chemins surprenants vers la discorde d’une famille de musiciens débordée.
En revanche, le film d’ouverture de la Berlinale de cette année, « Peter von Kant » de François Ozon, n’a pas répondu aux attentes que suscitait ce projet très conceptuel : il promettait une variation « masculine » du mélodrame entièrement féminin de Rainer Werner Fassbinder « The Les Larmes amères de Petra von Kant », dont la première a eu lieu il y a 50 ans à la Berlinale ; Ce qui a été livré était une pièce de chambre strictement théâtrale qui se délecte de ses costumes et accessoires sans aucun doute installés avec amour, mais qui s’aplatit rapidement en une étude maniériste tendue ; Au milieu de la danse riche en dialogues, l’acteur français Denis Ménochet donne le meilleur de lui-même en tant que revenant solitaire de Fassbinder, accompagné de son serviteur dévoué et souffrant Karl (Stefan Crépon crée des étincelles comiques à partir de ce rôle muet à travers les seuls regards et gestes).

Lorsqu’une vieille amie (au glamour artificiel : Isabelle Adjani) présente le personnage principal toxicomane au jeune Amir (Khalil Ben Gharbia), une romance se transforme inévitablement en désastre. Au final, il ne reste de ce film qu’un sentiment de vide noble, exercice obligatoire du cinéphile. La dernière apparition de la légendaire Hanna Schygulla, qui brillait dans le film original de Fassbinder, n’est elle aussi qu’un clin d’œil à l’histoire du cinéma ; elle n’apporte que peu de valeur ajoutée cinématographique.

La deuxième candidature au concours pour l’Ours d’Or, qui sera décerné mercredi cette semaine, avait beaucoup plus de poids. Il y a exactement neuf ans, le cinéaste viennois Ulrich Seidl présentait pour la dernière fois au public un long métrage. Seidl a participé à la compétition de la Berlinale en 2013 avec le final de sa trilogie « Paradis », à laquelle il a ajouté le titre (inhabituel pour lui) « Espoir ». Dans les années qui suivent, il publie deux autres ouvrages documentaires, « In the Cellar » (2014) et « Safari » (2016), tous deux présentés à Venise. Depuis : silence.

On savait que Seidl travaillait sur un projet qu’il avait donné pour titre provisoire « Evil Games », une histoire sur deux frères improbables, interprétés par Michael Thomas et Georg Friedrich, tous deux pris dans leur propre passé. Seidl est arrivé à Berlin la semaine dernière avec une surprise : l’annonce d’un double film. Il n’a pas apporté Evil Games avec lui, mais une œuvre intitulée Rimini, et pour l’instant ce n’est que la moitié de l’histoire prévue, l’histoire du frère aîné joué par Michael Thomas. Le deuxième film, qui s’appellera « Sparta », devrait sortir en festival en 2022.

Ulrich Seidl est un réalisateur qui développe ses œuvres lentement, presque délibérément, en filmant et en rassemblant beaucoup de matériel pour ensuite le rassembler dans une phase de montage qui dure généralement des années. Ses films se ressemblent ; Ils montrent les choses qu’ils racontent avec une grande précision et des plans d’ensemble ; ils ont adopté le rythme de leur production et se prêtent à être étudiés en détail, vus sous tous les angles, pour ainsi dire. C’est ce qui le rend si spécial ; Dans la compétition de la Berlinale de cette année, « Rimini » est – pour autant qu’on puisse le dire après les premiers jours de projection et en vue des films à venir – unique.

L’histoire tourne autour d’un chanteur pop vieillissant qui tente de tirer un peu de profit des restes de sa carrière dans des hôtels mornes et des maisons de retraite sur l’Adriatique hivernale. Après les concerts, il se prostitue dans les chambres d’hôtel de ses fans féminines âgées. À un moment donné, une jeune femme (Tessa Göttlicher) arrive et lui demande avec force de l’argent qu’il n’a pas. Elle se présente comme la fille qu’il a abandonnée très tôt.
Mais le film commence et se termine avec l’acteur allemand Hans-Michael Rehberg, déjà marqué par ses maladies. C’est cet acteur qui donne de la profondeur au film. Rehberg est décédé en novembre 2017 à l’âge de 79 ans. Le matériel présenté dans « Rimini » a été tourné dans les mois précédents, c’était son dernier rôle ; Il montre un artiste qui n’a plus rien à perdre et qui semble également être en proie à la dépression provoquée par son propre départ.

La figure paternelle jouée par Rehberg est à la fois touchante et répugnante : un homme largement impuissant et dément qui rêve encore du passé national-socialiste. Dans la maison de retraite où il vit, il se heurte d’abord à des portes verrouillées avec son déambulateur, mais à la fin il est submergé – chantant, pleurant, se plaignant – par les souvenirs d’un hier qui ne reviendra jamais.

Il y a peu de scènes dans le cinéma d’Ulrich Seidl qui se rapprochent autant de la tentative de capturer la catastrophe de la solitude et de l’approche de la mort dans des images et des sons cohérents que cette finale.

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