Léa

Semaines des festivals de Vienne : le théâtre en quête d’extase

En 1973 l’artiste rampe VALIE EXPORTATIONS nu à travers un couloir de cordes électrifiées. Chaque fois qu’elle touche un des fils, elle reçoit une décharge électrique. Le militant américain Chris Fardeau Un ami lui a tiré une balle dans l’épaule gauche en 1971. Il appelle à juste titre sa performance « Shoot », les références à la guerre du Vietnam sont souhaitées. L’Américain construit en 1972 Vito Acconci un faux plafond dans une galerie ; Tandis que le public traverse le parquet, l’artiste se masturbe dessous, ses fantasmes sexuels étant diffusés directement par haut-parleurs.

Un regard sur l’histoire de la performance montre que le « champ de bataille du corps » dans l’art de l’action et de la performance a été épuisé à l’extrême il y a des décennies : presque tout est considéré comme ayant été pratiqué, les artistes se sont mutilés, se sont enfermés pendant des jours dans des pièces étroites, avec des décharges électriques, voire au péril de leur vie. Pourtant, les arts du spectacle ne se lassent pas d’être impliqués. Antonin Artauds travailler sur la théorie audacieuse du « théâtre de la cruauté » qu’il a développée dans les années 1930. Artaud voulait briser les frontières entre scène et public, faire appel à tous les sens et mettre le public dans une sorte d’état de transe : le théâtre comme Virusqui remplit toutes les personnes impliquées d’une « soif de vivre », comme Artaudqui a vécu avec lui toute sa vie Drogues expérimenté, une fois pensé. Il recherchait un art qui fasse appel à plus que l’intellect des gens, qui pénètre directement dans les nerfs et déclenche un choc : le théâtre comme expérience extrême.

Mais les temps ont changé. Comment aurait-il Artaud, décédé en 1948, aimait les raves illégales de la fin des années 1980 et du début des années 1990 ? Les partis considérés comme collectifs Extase pensées et étaient étroitement liées à la consommation de drogues. Le cadre dans lequel on peut vivre des expériences limites socialement sanctionnées s’est considérablement élargi. Il n’a pas nécessairement besoin d’art : d’un week-end de méditation réservé en ligne dans un monastère tibétain isolé à un club S/M urbain, exposer son corps à des situations extrêmes n’a jamais été aussi simple. Ne restons-nous pas simplement enfermés dans notre « société du spectacle », un monde illusoire de publicité, de clichés et de propagande, comme le disait le philosophe français ? Guy Debord formulée dès 1967 reste pour le moment laissée ouverte. Les dernières enquêtes montrent que les gens ont de plus en plus soif d’expériences, que moins d’argent est investi dans les produits et plus dans les « expériences spéciales ».

A lire :  Hubert von Goisern : "Je ne crois pas à ces pleurnicheries"

Le théâtre devient un espace d’expérience

Est-ce désormais une opportunité pour le théâtre ? Ou la trahison finale parce que seuls les « événements » comptent encore ? En réalité, cela se résume à un mélange des deux : plus l’aliénation collective est grande, plus le désir d’expérience directe grandit : Twitter, Facebook et Instagram Il n’est pas nécessaire qu’il y ait de compétition, le théâtre et les performances artistiques se déroulent en direct, ce qui semble passionnant pour les natifs du numérique. Néanmoins, les étapes veulent réussir, de même Facebook lier une communauté. L’art doit depuis longtemps être plus qu’une simple série de produits à succès ; il doit unir plus fortement qu’auparavant son public en un groupe soudé : le théâtre devient ainsi provisoirement un espace d’expérience dont on peut parler à l’heure actuelle. à l’école ou au bureau le lendemain.

Dans Berlin De nos jours, on peut rencontrer des files d’attente devant la Volksbühne. L’ère de Franck Castorf se termine avec la saison en cours, tout le monde aurait aimé être de nouveau présent lorsque le patron de la Volksbühne s’engage contre notre « monde totalement rationalisé », comme il l’appelle. Sa devise a toujours été : « L’art a besoin de folie ». Sept heures Sa nouvelle production « Faust », également saluée par la critique, dure. A la fin de ce marathon d’exigences excessives, le public, qui a dû s’asseoir sur des chaises en plastique inconfortables (il n’y a qu’une seule pause !), applaudit aussi un peu pour eux-mêmes.

Tomas Zierhofer-Kinle nouveau directeur du Wiener Festwochen, n’hésite pas non plus à prononcer des mots frappants. Il s’insurge contre la « conception bourgeoise de l’art », qui considère à tort que l’art est une chose qu’il faut comprendre et qui, selon lui, devrait plutôt permettre « des expériences de plaisir excessives ». L’art peut aussi faire mal. Zierhofer-Kin est le chaman parmi les commissaires ; il s’appuie sur un théâtre de dissolution des frontières : l’expérience physique prime sur le théâtre parlé bourgeois ; L’art devrait Rausch, rituel et célébration. Le nouveau centre des festivals, qu’il appelle Performeum, une salle d’usine située sur l’ancien site de l’ÖBB à Vienne, est un espace de spectacle qui veut garantir un contact direct entre spectateurs et artistes. La culture du bain rencontre les discours postcoloniaux et queer dans un hammam gonflable. L’interaction est définitivement la bienvenue. Avec son festival dans le festival, Zierhofer-Kin perpétue une vieille tradition de semaine de festival : déjà en 2001 Hortensia Volckers, alors conservateur de la danse et des projets spéciaux, au Sofiensälen, dans un mélange exubérant de performances, d’expositions, de films et de symposiums, l’art a été pensé à travers les disciplines. Enfin, il faudra mesurer le Performeum à l’aune de ce projet exceptionnel.

A lire :  Revue culturelle : Best of séries 2018

Le groupe américain Saint Genet était déjà un invité régulier du Donaufestival lorsque Zierhofer-Kin le dirigeait encore à Krems. Ryan Mitchell et ses interprètes ont fait couler leur sang sur scène et se sont assis de manière calculée Drogues. « Les états modifiés de conscience me fascinaient lorsque j’étais enfant », déclare Mitchell lors de l’entretien (voir encadré). « Je veux utiliser le théâtre comme une sorte de cadre dans lequel on peut contrôler l’incontrôlable. » Sa nouvelle œuvre « Promised Ends: The Slow Arrow of Sorrow and Madness » (à partir du 16 mai, Hall G) peut être vue au festival .

Rituels modernes

Les frontières entre kitsch et art, pop et confort sont bien sûr floues pour beaucoup de nouveaux artistes extrêmes. On invente rarement quelque chose de véritablement nouveau, mais les images anciennes sont remixées d’une manière plus ou moins excitante. Le meilleur exemple en est l’artiste multi-artiste chinois Tian Zhuo Chenné en 1985 à Pékin. Ses projets flashy, qui ont fait de lui une étoile filante tant sur la scène artistique que sur la scène de la performance, sont des mélanges sauvages de techno club hédoniste, d’exposition kitsch Disney et de performance loufoque queers danse traditionnelle Butoh Hip hop et pop bouddhisme réunis. Chen met en scène des rituels modernes ; il brise les frontières entre temple et parc à thème. Son objectif est de permettre des expériences pseudo-religieuses : à travers des répétitions sans fin et de la musique méditative, le sentiment d’avoir fait un trip au LSD devrait surgir. Au Festival de Graz, ce sera steirischer herbst Chen Concevoir une nouvelle œuvre cette année – le Wiener Festwochen ouverture avec « Ishvara » (13-15 mai, Hall E).

L’œuvre extrêmement lente et douloureusement bruyante « Ishvara » n’est que partiellement retransmise en vidéo, mais le trésor d’images que le jeune Chinois a fouillé reste étonnant : dans une scène, un homme est pendu à une croix, son abdomen semble être ouvert, son être le plus profond tourné vers l’extérieur. Une carcasse d’agneau pend devant lui. On dirait que l’homme est dévoré vivant par ses collègues acteurs, d’étranges acteurs hindous de dieux. Des scènes comme celles-ci sont sages. Chen et son théâtre pop orgie-mystère en tant que descendants artistiques Hermann Nitschs hors de. Ça finit par être tendre Britney Spears « Everytime » est une triste chanson d’expérience de mort imminente. Sans aucun doute, « Ishvara » est une œuvre qui divisera le public du festival.

A lire :  Flake de Rammstein : « Les femmes devraient toucher le double du salaire »

Mais comment déconcerter le public contemporain ? La religion est toujours un sujet de protestation, mais étonnamment, elle est beaucoup plus banale : presque personne ne supporte la lenteur, la répétition et le silence. Cela confirme Ryan Mitchell de Saint Genet : « Le public est beaucoup trop impatient, il ne veut plus attendre et se donne un temps de production. » Le réalisateur italien sait aussi faire ça Roméo Castellucci chante une chanson. Ses productions visuellement puissantes et hermétiques, qui nous entraînent soigneusement dans des mondes étranges, ne sont pas faciles à comprendre. Ils communiquent par des images et des sentiments plutôt que par l’intellect. Le réalisateur est désormais un invité régulier du festival, il a montré Hamlet en personne autiste, dans « Guilio César » Un patient atteint d’un cancer parlant depuis l’ouverture de son larynx a interprété l’opéra de Gluck « Orphée et Eurydice» avec un véritable patient en état végétatif dans le flux vidéo. « Le théâtre ne doit pas donner de réponses, il doit poser des questions. Le théâtre est un voyage à travers l’inconnu », déclare Castellucci. Son ouvrage le plus récent s’intitule « La démocratie en Amérique» et pourra être vu au Volkstheater à partir du 23 mai. Il s’agit de la fondation du Etats-Unis, un projet utopique mais mis à mal par le colonialisme et les contraintes religieuses. Le « Daily Mirror » a qualifié la production de « méditation en images sur ce qui a été refoulé dans le rêve américain ». Il reste à voir quelle sera l’intensité réelle des semaines de festival cette année. Mais une chose est sûre : il faut être patient.

Laisser un commentaire