Léa

The Witching Hour : Impressions du 75e Festival de Cannes

La tradition n’oblige pas seulement, elle immunise aussi. À Cannes, la référence constante à l’époque glamour des festivals est une sorte de preuve d’identité, un constat contre tous ceux qui ridiculisent l’élitisme célébré de cet événement comme n’étant plus d’actualité. C’est l’une des raisons pour lesquelles des photographies grand format en noir et blanc d’invités célèbres du festival ornent actuellement les promenades de la ville ; des gens comme Jean-Paul Belmondo, Romy Schneider, Alfred Hitchcock, Luchino Visconti, Paul Newman et Ingrid Bergman posent devant sur le fond du port ou dans les halls d’hôtels de luxe, ils descendaient autrefois de cheval pour prendre la pose. Le Festival de Cannes a lieu depuis 1946 et son histoire s’étend de la fin d’une guerre au début d’une nouvelle. Cependant, les superstars d’une époque où le cinéma était encore un média de premier plan et de masse ne sont plus présentes que comme des fantômes, comme des fantômes d’un passé lointain qui peuvent être invoqués mais qui ne peuvent plus être reproduits de manière réaliste.

Chaque année, au mois de mai, lors de la saison des festivals de cinéma, lorsque la pandémie ne freine pas les projets, la communauté, par ailleurs peu densément peuplée et gouvernée de manière conservatrice, de la côte méditerranéenne française est pleine à craquer. Les prix des chambres d’hôtel montent en flèche au-delà de la raison économique, et dès l’après-midi, des foules brûlées par le soleil se déplacent au ralenti sur la Croisette, régulées par des barrières routières métalliques et des policiers lourdement armés ; En passant devant, vous pourrez étudier toutes sortes de robes de cérémonie, les aberrations à la mode et les résultats intermédiaires des travaux de chirurgie plastique.

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Le Palais des Festivals, construit à côté du Vieux-Port, est aujourd’hui l’attraction de la Croisette : son large tapis rouge, sur lequel les célébrités du cinéma, les membres de l’industrie et la presse cinématographique mondiale accréditée dansent et foulent plusieurs fois par jour en un éclair. vers la salle de cinéma, est à l’honneur depuis son ouverture le 17. May a un peu souffert ; Blanchi, usé et profondément sale, il est encore là dans les tout derniers jours du jeu, toujours disponible pour les semelles et les talons : mais lui aussi n’est qu’un fantôme, un signe de puissance issu d’une gloire depuis longtemps disparue. Les metteurs en scène et les grands du cinéma d’aujourd’hui y sont encore célébrés, mais au vu des 220 millions de clients Netflix dans le monde, le vieil événement collectif et brillant du cinéma, tel qu’il est compris et défendu à Cannes, semble s’être effacé dans le bruit de fond du cinéma. l’industrie de l’image en mouvement.

Après une annulation en 2020 en raison de la pandémie et un report au milieu de l’été 2021, le festival se déroule cette année presque comme d’habitude pour la première fois en trois ans. Le port de masques de protection est toujours recommandé dans les cinémas, mais seule une minorité suit cette recommandation. Dans tous les cas, il est impossible de garder ses distances dans les files d’attente et les salles pleines à craquer, aux postes de contrôle de sécurité et de contrôle, pour pouvoir immédiatement se convaincre que la normalité tant attendue a enfin atteint le business des festivals de cinéma.

Comme on le sait, le nouveau front dans la lutte contre la normalisation est ailleurs : la guerre en cours en Ukraine fait partie de la désastreuse réalité à laquelle doit également faire face un spectacle du cinéma d’auteur mondial. Le vénérable Festival de Cannes s’est toujours considéré comme politiquement vigilant, mais des décisions douteuses sont toujours prises : toutes les délégations officielles de cinéma de Russie n’ont pas été invitées à l’avance, mais le drame historique grandiloquent « La Femme de Tchaïkovski », financé par le très riche oligarque Roman Abramowitsch, a été inclus dans la compétition levée – contre la protestation des cinéastes ukrainiens. Le réalisateur Kirill Serebrennikov, qui a dû subir la répression et les menaces d’emprisonnement sous Poutine, a publiquement défendu Abramovich et a sérieusement exigé la levée des sanctions contre lui parce que lui, Abramovich, était un mécène si exceptionnel.

Le célèbre cinéaste ukrainien Sergei Loznitsa a jeté un regard plus froid sur l’histoire récente de l’anéantissement humain. Son film d’archives « L’histoire naturelle de la destruction », projeté hors compétition à Cannes, rassemble sans commentaires des scènes des raids aériens alliés pendant la Seconde Guerre mondiale et de la vie quotidienne dans l’Allemagne nazie avant et après sa destruction. La méthode habituelle de Loznitsa de doublage ultra-réaliste et de musicalisation d’images historiques transporte son histoire naturelle de destruction dans le surréaliste, dans un rêve fiévreux de dévastation du monde.

Dans son dernier film, la réalisatrice virtuose française Claire Denis, 76 ans, réfléchit également sur la vie dans un climat de bouleversement radical, notamment : la guerre des Contras après la révolution sandiniste au Nicaragua. Votre adaptation cinématographique de Denis Johnson, « Stars at Noon », transforme l’histoire, qui se déroule initialement en 1984, sur un journaliste (interprété par une excellente Margaret Qualley) qui utilise tous les moyens possibles pour traverser la tourmente des troubles en un reportage contemporain, un film elliptique sur le Covid, dans lequel sexe, amour et politique se mélangent de manière inattendue.

Claire Denis mène ses interviews sur le toit-terrasse de l’hôtel Marriott sur la Croisette dans la chaleur de jeudi après-midi de la semaine dernière, se retirant dans un espace ombragé. Cannes, dit-elle dans l’interview de profil, a été sa première maison artistique ; Elle n’est pas d’accord avec les plaintes concernant le manque de diversité dans la programmation du festival, le manque de cinéastes féminines et le nombre trop important de réalisatrices blanches. Comment les autres grands festivals ont-ils fait, demande-t-elle un peu rhétoriquement. « J’ai toujours pu réaliser exactement les films que j’avais en tête, avec les personnes que je souhaitais y associer. Personne ne m’a jamais dit de travailler moins souvent avec des Noirs. Cannes n’est pas une loi. Il ne faut donc peut-être pas tant blâmer le festival que les cinéastes eux-mêmes, qui décident de manière assez autonome de la diversité de leurs films.»

Sur le papier, la sélection du millésime 2022 s’annonce prometteuse ; Il ne fallait pas s’attendre aux déceptions produites par certains des plus grands noms du cinéma contemporain mondial. La satire sociale «Triangle of Sadness», par exemple, réalisée par le Suédois Ruben Östlund à propos d’une croisière de luxe qui s’est soldée par un naufrage, s’est révélée trop large en termes d’humour – même si le courage de l’actrice Sunnyi Melles était étonnant, alors qu’elle incarnait une passagère ayant le mal de mer dans une véritable orgie d’estomac. Il s’agit d’éruptions intestinales.

« Cannes n’est pas une loi. Les cinéastes décident de manière autonome de la diversité de leurs films.

Claire Denis

Directeur

Un fort manque de complexité a éclipsé « Tori et Lokita », la nouvelle pièce pédagogique des frères Luc et Jean-Pierre Dardenne, ainsi que le film sadique et meurtrier « Holy Spider » de l’Iranien en exil Ali Abbasi, primé à Cannes en 2018 avec le Le subtil drame étranger « Border » avait suscité des espoirs infondés. Le film « EO » du Polonais Jerzy Skolimowski, d’après « Au hasard Bal-thazar » (1966) de Robert Bresson, qui esquisse l’odyssée d’exploitation d’un âne du chapiteau à l’abattoir, n’a pas trouvé de forme dramaturgique cohérente, tandis que « Pacifiction », le nouveau roman bavard de trois heures du catalan Albert Serra, dans d’interminables monologues explicatifs du monde d’un homme politique local cynique (Benoit Magimel) à Tahiti.

L’antidramatique en tant que concept de résistance a fait son temps ; il n’interrompt plus le flux constant et omniprésent des images en mouvement, il se fond simplement sans conséquences, il n’agit pas de manière subversive, mais plutôt sédative.

Cannes souffre d’un problème de commissariat car il récompense la fidélité de certains réalisateurs avec des places de compétition fixes, même si ces personnes ne jouent visiblement pas à la hauteur de leur talent. Même les petits films de passage à l’âge adulte tout à fait agréables comme l’intelligente étude familiale de l’ère Reagan de James Gray « Armageddon Time » ou les souvenirs vifs de Valeria Bruni Tedeschi sur son passage à l’école d’art dramatique de Nanterre (« Les Amandiers ») ne doivent pas nécessairement être dans la lutte pour la Palme d’Or. Le fantasme de Sisi « Corsage » de Marie Kreutzer, par exemple, relégué dans la barre latérale Un certain regard, aurait paru plus excitant dans ce contexte.

Les deux derniers jours du festival ont donné naissance à deux œuvres qui pourraient prétendre à la Palme d’Or : un mélodrame belge très précis, bien qu’un peu trop assuré, « Close » de Lukas Dhont, l’œuvre de culpabilité et de chagrin de l’enfant après une événement traumatisant; et la sommité indépendante Kelly Reichardt ravie de sa comédie « Showing Up », dans laquelle Michelle Williams incarne une sculpteure qui doit combiner son chaos privé avec la préparation d’une exposition cruciale.

Une candidature au concours est restée incontestée en termes d’originalité. Le futuriste canadien d’horreur corporelle David Cronenberg (« The Fly » ; « Dead Ringers »), aujourd’hui âgé de 79 ans, s’attaque à « Crimes of the Future », huit ans après son dernier film, « Maps to the Stars ». et Chirurgie : il s’agit de mutation et d’expansion du physique humain, d’interventions chirurgicales qui servent à des fins autres que simplement esthétiques ou médicales. Viggo Mortensen apparaît dans « Crimes of the Future » comme un artiste expérimentant sur son propre corps, à qui l’on retire publiquement les nouveaux organes qui se développent en lui comme des tumeurs ; Léa Seydoux lui sert de partenaire. Leurs actions publiques évoquent l’érotisme de la chirurgie ; « La chirurgie est le nouveau sexe » est leur devise. Dans ce grotesque abyssal, des termes tels que « cancer du créateur » et « tatouage d’organe » sont utilisés, des systèmes digestifs de transformation du plastique se développent chez les gens et des concours de beauté sont annoncés pour les organes internes.

« Crimes of the Future », tourné dans la Grèce surchauffée par l’été 2021, est devenu un choc noir radicalement discret, une œuvre de transhumanisme et de post-suspension. Cronenberg pousse des choses qui existent depuis longtemps (comme la dépendance à changer de corps et de visage) un ou deux pas plus loin. La réalité des motivations apparemment absurdes de « Crimes du futur » a été démontrée par un documentaire radical présenté cette année, le très programmé festival parallèle de Cannes, la Quinzaine des réalisateurs : le duo de réalisateurs anglo-suisse Lucien Castaing-Taylor et Véréna Paravel Dans « De humani corporis fabrica » (« Léviathan ») explore le quotidien d’un hôpital parisien, avec une attention particulière aux techniques chirurgicales et de fluoroscopie corporelle hautement invasives. Et il est frappant de constater à quel point nombre de leurs motifs ressemblent à ceux de Cronenberg.

Le corps humain, battu par des machines délicates, des caméras et des bras de préhension, devient ici la scène principale sanglante : des vis sont transformées en colonne vertébrale et un cerveau est percé, des tubes sont tirés à travers l’urètre, des tumeurs sont séparées et filetées. Le cinéma léger est naturellement différent de cette œuvre, mais « l’acte de voir de ses propres yeux », pour reprendre le titre d’un vieux film d’autopsie de l’avant-gardiste du cinéma américain Stan Brakhage, est nécessaire lorsqu’il s’agit de la question tangible : qu’arrive-t-il exactement à nos corps dans les institutions chargées de leur traitement (et de leur élimination).

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